Raúl Garrido es maquillador artístico y caracterizador: su trabajo transita el carnaval, las muestras de museo, la fe puesta en escena y la producción audiovisual. Tras la muestra “UNIVERSOS” en el Museo Histórico, su carrera sumó proyectos locales y colaboraciones con plataformas como Disney Plus. En una entrevista con La Vanguardia, habló sobre sus fuentes de inspiración, procesos de creación, materiales insospechados y la importancia de la comunidad en cada proyecto.

-¿Cómo surge la oportunidad de desarrollar actividades en el Museo Histórico?  

-Trabajar en el Museo Histórico nació del deseo de aportar una mirada renovada, posicionando al museo como un espacio activo en redes, en la comunicación cultural y en el montaje de muestras. Desde mi trayectoria artística busco generar nuevas experiencias vinculadas con la identidad, la memoria y la creatividad. Esta oportunidad también surgió por la confianza de Sonia y Romi, del equipo del Museo, y de Dippy, desde la Subsecretaría de Cultura y Educación, que impulsaron proyectos para acercar el museo a la gente. Además, “UNIVERSOS”, la exposición de máscaras y maquillaje que realicé en el Museo, fue una puerta importante: me permitió mostrar mi trabajo en un espacio significativo y abrió la posibilidad de colaborar desde lo que me apasiona.

-¿Cómo viene el año hasta ahora y qué nos podés contar de nuevos proyectos?  

-El año está siendo muy intenso y fértil en lo creativo. Se presentaron muchas oportunidades que me permiten crecer artísticamente y profesionalmente. Un momento importante fue el viaje a Gualeguaychú, Entre Ríos: una experiencia inspiradora junto al grupo Mari Mari. También sigo vinculado a proyectos para Disney Plus, lo que me emociona porque une arte, creatividad y trabajo en equipo. No estoy solo en esto: Manuel Elizalde y Agustín Bibbo acompañan el proceso detrás de escena —fotografía, audiovisual, montaje e iluminación— y son fundamentales para darle identidad a cada trabajo.

-¿Qué significa actuar y llevar adelante La Pasión de Viviente?  

-Representar a Jesús es mucho más que actuar: es entregarse por completo y vivir el momento desde lo más profundo. Es una experiencia intensa en la que el cariño del público conmueve. Cada ensayo y encuentro nos hace mejorar; hay mucha responsabilidad —especialmente en escenas exigentes—, pero también compañerismo y compromiso. Ver cómo el arte, la fe y la comunidad se unen para crear una experiencia significativa es, para mí, de lo más gratificante.

-¿De dónde nace la idea antes de tocar un pincel? 

-La idea suele nacer de una emoción, una imagen o una sensación: una película, una canción, una textura o la sola imaginación de un personaje. Antes de tocar un pincel construyo un universo visual y emocional: me interesa qué transmite el personaje y cómo dialogan maquillaje, máscaras, prótesis e iluminación. Pienso mucho en cómo funcionará en vivo; busco que la caracterización respire y se sienta viva bajo luces, movimiento y sudor, porque ahí el personaje termina de cobrar vida. Cuando falta inspiración vuelvo a la naturaleza: una textura o una forma pueden disparar una idea nueva.

-¿Qué materiales usás y cuál no convencional te sorprendió cómo funcionó sobre la piel?  

-Trabajo con materiales profesionales: maquillaje artístico, tintas al alcohol, adhesivos y pegamentos para efectos especiales, látex y elementos para texturas. Pero también experimento con materiales no convencionales: objetos cotidianos, reciclados o encontrados en la naturaleza pueden transformarse en partes de un personaje. Por ejemplo, bolillas de desodorante convertidas en ojos o sorbetes usados como antenas. Descubrir esas posibilidades es parte de la magia del proceso.

-¿Cómo lográs que una persona se sienta cómoda horas inmóvil con la cara llena de pintura? ¿Y cuando lo hacés en vos?  

-Generar confianza es clave. Procuro que el momento del maquillaje sea cómodo, relajado e incluso divertido: explico cada etapa y escucho cómo se siente la persona. La transformación suele tener un efecto emocional y el intérprete aporta su impronta corporal. Cuando trabajo en mí mismo la experiencia exige concentración y conexión con el personaje: son horas de entrar en otro mundo, experimentar y descubrir ideas mientras me transformo, siempre acompañado de mate y paciencia.

-¿Qué artista, pintor o movimiento no relacionado con el maquillaje influye más en su trabajo?  

-Mis influencias provienen del arte en general: el color, la escultura y la pintura inciden directamente en cómo construyo personajes. Me atraen el surrealismo y el expresionismo por su carga simbólica y emocional —Salvador Dalí es un referente—. Además, el universo del terror permite deformar, exagerar y crear criaturas sin límites, explorando texturas y emociones distintas.

-Siendo ya un artista reconocido, ¿seguís estudiando y perfeccionándote?  

-Por supuesto. En el arte nunca se deja de aprender. Recientemente participé de workshops sobre producción de desfiles, makeup y moda, y en el ámbito del Celebrity Stylist, lo que amplió mi visión sobre la construcción de imagen. Perfeccionarse es esencial: aparecen materiales y técnicas nuevas y eso alimenta la creatividad.

-¿A quiénes querés agradecer por este presente?  

-A mi familia, amigos, compañeros y a cada persona que confía en mi trabajo; ellos son mi motor para seguir creando. También agradezco a quienes me ofrecen oportunidades —al equipo de Disney Plus, a marcas de maquillaje y a profesionales que acompañan mi recorrido—. Y, especialmente, a la gente que se emociona con cada personaje: son quienes dan verdadero sentido a este trabajo.